音樂表演范文10篇

一、創造性在音樂表演中的地位

對于一首音樂作品來說，它的形成應該由三個環節組成——作曲家的創作、演奏（唱）家的表演、聽眾的欣賞，這三個環節缺一不可。只有在這三個部分完整的情況下，一首作品才能完整地被人們感知，獲得審美上的一種享受。作曲家的創作，毋庸置疑是作品的本源，沒有這個環節的完成就根本談不上后兩個環節的存在。而演奏（唱）家的表演處于中間環節，有著重要的作用，他對于能否正確表達音樂思想，能否使作品與聽眾之間達到情感的共鳴，能否為聽者帶來美感……都起著承上啟下的作用。因此，音樂表演作為“二度創作”有著不可替代的重要地位。科普蘭曾經有這么一段話：“如果了解作曲家的作品風格對聆聽者來說是重要的話，對演繹者來說更是如此，因為演繹者是音樂的中間人。聆聽者更多地聽到的是演繹者對作曲家的想法，而不是作曲家。”①所以，對音樂作品的再創造從某種程度上來說比原作品更為重要，因此科普蘭還有這樣一個觀點：“在作完曲之后，可憐的作曲家必須把它交給演繹藝術家，任其擺布——而我們又必須記住，后者是有自己的音樂風格和個性的人。”②英國著名的指揮家亨利·伍德在《論指揮》一書中也說道：“音樂是寫下來沒有生命的音符，需要通過表演來給予它生命。”③而在表演的過程中，演奏（唱）者作為“執行者”勢必將音樂打上自己的“烙印”。音樂表演是賦予音樂作品生命力的創造性行為，它不僅僅是原樣地再現，而是通過演奏（唱）者富于創造性、獨特的表演，使音樂作品煥發新的光彩。從表演藝術美學的歷史來看，表演美學主要有浪漫主義音樂表演、新古典主義音樂表演、原樣主義音樂表演、當代音樂表演的綜合傾向這幾個流派，而鋼琴表演也被包含其中。在這幾種表演美學的觀點中，演奏者對于同一首作品都有著不同的創造性表現，這樣表現出的音樂就被打上了自己的或者不同流派的“烙印”。

二、音樂表演中的創造性應該注意的幾個問題

音樂表演是由具有主觀能動性的人執行的，因此在表演過程中音樂作品必然要被蒙上表演者的個性與創造性。但是，這種個性與創造性的表現并不是沒有“度”的隨意表現，它必須遵循一定的原則，否則，演奏的音樂就會“面目全非”。筆者認為，在鋼琴表演中至少要注意創造性與原作風格、個人風格、情感表現之間的關系，才能使自己的表演更能為作曲家和聽眾之間做好“橋梁”。

1.創造性與原作風格

任何一首音樂作品都是產生于一定的歷史年代，一定的社會環境中。因此，這些作品自一出現就帶有了當時歷史時代的風格與審美特征，它主要表現于樂譜上，這就是原作的真實性。在音樂表演中首先應處理好的一對關系，就是創造性與原作風格的關系。真正的表演藝術家都努力從歷史的角度把握作品的音樂風格，并且力求將這種風格真實、完美地加以再現。他們盡可能地使自己去熟悉、體會作曲者生活的時代環境，努力體驗作者當時的心理活動及思想，以便能夠真切地表現作品的歷史風格。著名的羅馬尼亞作曲家、小提琴家埃涅斯庫曾經說過：“我覺得我在演奏巴赫的一部奏鳴曲時，不置身于18世紀，那么我恐怕就不能很好地把作品表達出來了。”④在“第二次世界大戰”之后，西方盛行的原樣主義音樂表演不僅僅要求要嚴格按照原版樂譜演奏，而且還努力“還原”原來的演奏樂器、方法等等，努力恢復作品的原貌，這也是一種對作品風格的再現。當然，這樣的演奏在今天看來也并不是我們大力提倡的，這畢竟是歷史中的一個分支。

摘要：現代音樂美學是對音樂美的本質性追求，包含了不同音樂邏輯和音樂形態，對音樂表演藝術有著深刻的啟示。本文通過分析音樂美學和音樂表演的內涵和關系，分析了現代音樂美學對音樂表演藝術的啟示，對促進我國音樂藝術行業穩定發展提供參考借鑒。

關鍵詞：現代音樂美學；音樂表演藝術；價值研究

在現代音樂美學中主要是對音樂本質美學規律進行深入性的探究，通過現代音樂美學的研究能夠使音樂表演者深刻地體會到音樂創作的主要思想情感以及文化背景，深刻挖掘音樂作品背后的思想內涵，并通過表演者熟練的技藝進行全面的彰顯音樂作品背后所蘊含的歷史特征和思想內涵，讓觀賞者能夠獲得豐富的音樂感受，全面地提高音樂表演藝術當前的發展水平。

一、音樂美學和音樂表演的概述

（一）內涵

音樂美學是以音樂發展歷史最為主要的研究根基，研究音樂在不同歷史時期下所表現出的美學價值，對音樂本質內容進行有效的總結，并且探索音樂發展主要規律，以促進音樂的穩定發展。現代音樂美學研究包含了社會心理學層面，注重對音樂創作活動的深入性分析，并且挖掘背后所蘊含的心理內涵，找出音樂創作背景下心理活動和一般藝術活動之間的關聯之處，并且從歷史發展角度入手進行音樂社會性問題的深入性探究，做出合理性的判斷，以此來使音樂能夠煥發出新的活力［1］。音樂美學是通過聲樂表演的形式而體現的，音樂能夠增強人們的體驗度，并且還可以通過音樂來給人們帶來好的感官刺激，音樂作為主要的情感載體，使人們能夠在聆聽過程中感受到背后所蘊含的思想情感，獲得精神和心理方面的體驗，以此來促進意識形態的有效形成。音樂美學是以音樂本體為主要的研究重點，確定音樂的表現形式和基本的構成，并且還加強對各個組成部分關聯度的深入性分析，以此來提高音樂美學的發展水平。在音樂美學發展過程中，從音樂欣賞到音樂的認知屬于不同的實踐過程，掌握音樂的表演形式以及主要的風格，追溯到音樂創作的心路歷程，以此來使音樂本質能夠貫穿于不同的音樂實踐環節中，提高音樂美學的發展水平。在音樂美學中能夠配合著音樂功能給人們帶來良好的觀賞體驗，并且也可以達到心靈凈化的效果，這是音樂功能的重要體現形式。音樂美學將不同功能進行了相互的聯系以及延伸，以此來促進音樂行業的穩定進步。在音樂表演中屬于音樂美的展示和在創造過程，音樂表演通過各種樂器的綜合性利用配合著表演者的歌唱，能夠使音樂藝術得到充分的展示，并且還可以發揮音樂本身的社會功能。音樂是音樂創作實踐社會性的重要環節，通過音樂美學的科學研究能夠了解音樂背后所蘊含的歷史文化色彩，并且增強對音樂背后文化內涵的深刻共鳴，全面地提高整體的發展水平。

摘要：生活水平的提升，使人們對精神生活的需求愈發多樣化。音樂不僅可以給人以精神層面的愉悅，而且可以熏陶人們的精神思想，提高人們的審美品位。在現代社會背景下，音樂事業的發展已經成為關系著人們生活水平的重要方面。從本質上看，現代音樂美學研究就是對音樂的本質與音樂的美學規律進行研究，通過對現代音樂美學進行研究，可以幫助表演者更深刻地體會音樂作品精神。鑒于此，本文深入研究現代音樂美學研究對音樂表演藝術的啟示，旨在通過現代音樂美學研究，促進音樂表演藝術水平的提升。

關鍵詞：現代音樂美學；音樂表演；舞臺表演

現代音樂美學是對音樂存在價值的一種深入探討。在現代音樂美學中，不僅比較注重旋律、聲音與曲調三者之間的協調性，而且也比較關注音樂表達形式是否合理。音樂表演者利用嫻熟的音樂表現技巧與高超的音樂表現能力，以聲音、形體等為載體，表達出不同時期音樂作品的時代精神與藝術價值，進而為觀眾創設一個和諧的情感氛圍，給觀眾美好的視聽享受，并且讓觀眾在感受到美感的同時，了解不同作品背后深刻的時代含義，提升人們的審美感知能力，促進音樂事業更好地發展，推動傳統音樂作品的傳承與發揚。

一、現代音樂美學研究的內涵

音樂美學屬于音樂方面的基礎性理論學科，研究音樂的本質與內在規律，其內容涵蓋面比較廣，涉及音樂理論技巧、音樂史等多個方面[1]。而現代音樂美學研究指的是，基于音樂發展歷史，對不同是背景下的音樂所展現的美學現狀展開研究，總結音樂的本質與發展規律。現代音樂美學研究的范圍主要包括社會學與心理學兩個層面[2]。其中，心理學研究的范圍側重于研究音樂創作時的心理活動，探索音樂創作歷史背景下的心理活動，與其他藝術心理活動的異同，分析情緒與情感；社會學研究則是立足于歷史發展這一視角，分析、探討音樂的社會性問題。現代音樂美學研究，為音樂表演的發展提供了重要的理論基礎。

二、現代音樂美學研究與音樂表演的關系

藝術家的風格演繹并不是空洞抽象的存在，同樣要落實在音樂作品的表演中，和藝術作品的創作風格水乳交融后才能更臻完善的演繹藝術作品的內涵①。

風格的形成

藝術家表演風格的形成主要由主客觀兩個因素來決定：客觀因素包括時代背景、社會環境、教育背景、家庭環境等，而創作題材中的門類和體裁也會對藝術風格的形成產生影響。如果音樂家在進行音樂的表演時脫離這些客觀因素，拋棄作品的題材、體裁等客觀對象，任意追求不切實際的表演，就會導致表演的浮夸和媚俗，無法滿足觀眾的審美需求。音樂表演風格中客觀因素的研究包含有很多方面，如題材的選擇上要注重新穎，主題思想的表達要具有個性并且深入，在表演的過程中還要加入充分的創造性手法，使作品的形象在演繹的過成中更深刻，藝術語言的表達更具獨到性。音樂表演中藝術家個人風格的填入可以增加音樂作品的感染力，使欣賞者深入體會作曲家的創作理念從而產生審美情感上的共鳴。如貝多芬的第五交響曲，曲意就是在對“命運”做完美的詮釋，在自己失聰的環境中創作出的“命運交響曲”帶有貝多芬個人鮮明的創作特征。曲目中的內容始終在圍繞著生命的過程而展開，傳達出慷慨激昂的生命熱情令人深受震撼。肖邦的很多鋼琴曲目也都融入了波蘭當地民族風情，如《波蘭舞曲》、《瑪祖卡》，這種融入社會環境、個人經歷、時代背景、民族文化的作品更容易被聽眾所接受①。

而主觀因素包括藝術家的思想觀念、藝術修養、審美品位、個人氣質等，通過一種外在的表現形式來展示表演者的內心世界。音樂作品的表演是一種主觀意志的表現，有現實生活中對藝術家創作影響因素的映射，也有藝術家藝術演奏中理想的臆想化身，是一種主客觀的高度統一。每一個成功的藝術家的藝術作品內容形式再豐富多彩、千變萬化，但作品的風格始終是一樣的，就如前文講的風格的形成可以評定藝術家的成熟和成敗。一部藝術作品的成功也要歸結于藝術家自身融入作品中的個人思想、情感、審美品位、生活體驗及審美標準等不同于他人的個人魅力的彰顯。

藝術源于生活而高于生活。藝術作品高于生活是因為藝術家將這兩種主客觀的因素經過高度統一后再賦予作品深層意蘊。這種深入生活的表演風格使音樂作品在表演的過程中更容易將他的創作意圖和聽眾作很好的審美交流，更能很好地完成音樂作品的創作。在面對同一事物的表達上，源于主客觀因素的相互影響，創作出的曲目也會風格各異。正如黑格爾所說的，風格是一個藝術家內在氣質的完美體現，通過外在的表現形式展現出有別于他人的特性②。

結語

【摘要】音樂劇是綜合性極強的藝術表演形式，它具有戲劇表演、歌舞敘事、各藝術元素高度融合、通俗與娛樂共存的特征。在音樂劇教學中，多學科的互通配合可以更好地呈現與眾不同的舞臺劇，然而，諸多元素的融合是教學的關鍵所在，也是教學中的重難點。因此，本文從個人角度出發，談談如何在音樂劇教學中實現多學科的融合，更好地促進音樂劇蓬勃發展。

【關鍵詞】音樂劇；多學科；融合；現狀

一、融合是音樂劇表演教學的重難點

音樂劇是一門綜合藝術，它具有戲劇表演、歌舞敘事、各藝術元素高度融合、通俗與娛樂共存的特征。《crazyforyou》中的一位百老匯演員說，音樂劇對他們來說就是一門藝術，談不上綜合與否，因為現代藝術中有哪一個分支是可以單一出現的呢？對于很多西區和百老匯的知名音樂劇演員來說，歌、舞、說、唱、演是自然出現在他們的表演過程中的，他們從小熱愛音樂、舞蹈，希望通過戲劇的方式表達出來。也就是說，很多音樂劇演員是在多元和相對自由的教育背景中成長起來的，所以音樂和舞蹈在戲劇中的表達是自然的，無需任何思維方式的切換。從另一個角度來看，在他們的教育中，音樂歌舞的融合也花了很長的時間才自然地結合在一起。這一點我們很難做到，大多數中國音樂劇演員進入大學，甚至走出大學后才開始這種融合，所以，筆者認為，在中國音樂劇的教學中，融合是最為關鍵的一步，也是教學的重點和難點所在，音樂劇表演人才應當具備聲樂、舞蹈、戲劇這三個學科的專業能力，需要使以上3個學科融合，形成具有綜合性的人才培養體系。多學科間的互通和配合教學是使學生將歌、舞、說、唱、演有機結合的關鍵，能夠使其自由適應音樂劇的創作規律，只有適應了才能更加松弛地完成創作任務，使音樂劇的表演特性成為下意識的表演方式[1]。既然融合為重點，那怎樣更好地實現融合成為教學中需要思考的問題。我們不能單方面照搬國外的音樂劇演員培養方式，一定要結合中國音樂劇的教育現狀。教育以人為本，要因材施教，所以，要深入地思考教學現狀。其實，現有的設立音樂劇系或專業的院校已有不少，很多院校也使用了最為先進的音樂劇表演技巧的訓練方法，大量聘請優秀的人才執教。但是，為什么在音樂劇的舞臺上，理想的音樂劇演員鳳毛麟角，其中還有一部分不是專業院校畢業的，這也促使我們對音樂劇教學進行反思[2]。在筆者合作過的演員以及所見到的中國音樂劇的演員中，綜合表演能力出色的演員為數不多[3]，由此可見，音樂劇教學實現學科融合并不容易。

二、融合的前提

音樂劇演員要具有扎實的基礎，讓歌、舞、表演達到信手拈來或者不唱不快，不舞不行的程度，也就是演員有強烈的音樂歌舞的表演欲望，要通過歌舞手段傳達人物情感，塑造人物形象，而不是畏唱怕跳，不敢演戲。所以，堅實的音樂劇各項基礎創作手段是融合的前提。如演唱基本技巧：發聲、視唱練耳、樂理常識、美聲和通俗的基本唱法等；舞蹈基本功訓練：柔韌、力量、協調性、體能等；戲劇表演元素訓練等。這些不僅僅是低年級的基礎專業課，而且應該成為貫穿音樂劇表演始終的專業技能，成為音樂劇演員的職業習慣之一。在此基礎上盡可能多地接觸、熟知各種風格的演唱和舞蹈形式，在風格化的歌舞教學階段，融合就應該逐步開始，比如運動發聲，風格化的舞蹈訓練中融入聲音的元素，在戲劇元素訓練中要將能夠提高音樂劇演員特質的部分逐漸加強，比如專注力、想象力、節奏感、爆發力、協調性、幽默感、自我感知力等，要對音樂劇專業的學生實施更有針對性的戲劇表演培養計劃，因為他們所要學習的內容遠比表演專業的學生多，所以在很多課程的設計上就必須精準而不能一把抓。

摘要

高中音樂是一門“傳授有關美的學問的學科”，主要通過發展學生的想象力、創造力和對音樂的感悟，培養起學生具有較豐富的情感、審美情趣和審美觀。在教學過程中感受美、獲得美、創造美、提高美。而音樂表演是獲得這一體驗的重要手段。

一、通過表演課堂變得生動了

二、通過表演學生的學習能力得到了提高

三、通過表演學生的學習方式得到了改變

四、通過表演音樂離學生生活更近了

千百年來，二胡作為一種傳統樂器，在人們心中演奏的大多是一些傳統曲目，比如大家耳熟能詳的《二泉映月》、《江河水》等。但是在近些年來，由一些演奏家的推崇，用二胡來演奏流行音樂也成為一種趨勢。流行音樂是一種現代文明的產物，內容簡單通俗，節奏輕松活潑，貼近生活而又富有時代氣息。二胡與流行音樂相結合是一種傳統與現代的結合，到目前為止，大多數的流行曲目都能用二胡來演奏。

一、二胡的產生與發展二胡始于唐，在民族音樂史中，它的時間并不長，它最早發源于我國古代北部地區的一個少數民族，叫做奚琴，當時將西方、北方各民族稱為胡人，胡琴為西方、北方民族傳入樂器的通稱。至元朝之后，明清時期，胡琴成為擦弦樂器的通稱。到了宋代，又將胡琴取名為“嵇琴”。宋代末學者陳元亮在《事林廣記》中這樣記載：嵇琴本嵇康所制，故名“嵇琴”。宋代大學者沈括在《補筆談·樂律》中記載“：熙寧中，宮宴，教坊伶人徐衍奏嵇琴，方進酒而一弦絕，衍更不易琴，只用一弦終其曲。”說明在北宋時代二胡已有很高的演奏水平。

徐衍為皇帝大臣們演奏”嵇琴”時，斷了一根弦，仍然能用另一根弦奏完曲。后來沈括在《夢溪筆談》中又記載“：馬尾胡琴隨漢東，曲聲猶自怨單于。彎弓莫射云中雁，歸雁如今不寄出。”《元史·禮樂志》所載“胡琴制如火不思，卷顧龍首，二弦用弓捩之，弓之弦以馬尾”，進一步闡述了胡琴的制作原理。到了明清時代胡琴已傳遍大江南北，成為民間戲曲伴奏和樂器合奏的主要演奏樂器。到了近代，胡琴才更名為二胡。自從有了劉天華創作和傳譜的十幾首樂曲之后，二胡才算是有了長足的發展，到現在，形成了各種形式的二胡作品，演奏者可以選擇演奏古典型、現代型、傳統型、技巧型等各種形式的作品。

二、流行音樂的現狀和發展流行音樂，從英譯而來的，也叫POP，又叫通俗音樂，是指那些內容通俗，結構短小，形式活潑，情感真摯，被廣大群眾所喜愛，并廣泛傳唱與欣賞，流行一時或流傳后世的歌曲。這些樂曲和歌曲，植根于大眾生活的豐厚土壤之中。因此，又有“大眾音樂”之稱。外國流行音樂又細分為好多種，在這里我只談中國的流行音樂。從20世80年代，中國當代的流行音樂已經不像當初那么稚嫩了，從最初的引入模仿到現在的自創、再造，它在漸漸走向成熟。特別是新興的一大批流行樂手的出現，更好地加速了流行音樂的發展。

三、二者之間的有機融合以前人們都認為，二胡是傳統樂曲，只能演奏傳統曲目，但是經過一些音樂人的大膽嘗試，將二胡運用到了流行音樂作品中，取得了出乎意料的效果。給大家印象最深的莫過于劉德華的《來生緣》，由二胡貫穿于整個樂曲的始終，聲聲二胡道出了心中的凄涼。在他的演唱會中，專門在中間安排了樂手拉二胡。把二胡運用到流行音樂中最多的不得不說到周杰倫與王力宏。這兩位都是樂壇的小天王，在流行音樂中起到舉足輕重的作用。周杰倫在他的大多數作品中都運用了大量的民族音樂元素，其中包括二胡、琵琶、古箏等，他創作的《東風破》就是根據琵琶曲《東風破》改編而成，這首作品模仿古調曲風，把民族樂器二胡等加以融入，讓人產生一種無限的遐想。全曲采用古詞新調的形式，其中二胡被大量運用，效果非常好。

“揮毫潑墨爽精神，花田之下遇美人”，昆曲《花田錯》使長期受西方音樂教育的王力宏被中國詩詞深深地折服。他將這首昆曲改編成了一首凄美的情歌《花田錯》，為了使這首樂曲能夠產生出更好的效果，他特意地學習了二胡。在他的演唱會中，他一轉身化為拉二胡的，上演了跨越時空的愛情。不單單使用二胡，他還使用了很多別的民族樂器，大量民族樂器的使用，在音樂創作中起到了很好的效果，讓人耳目一新，過耳難忘。在2010年新上映的由王力宏自導自演的電影《戀愛通告》中，他與陳漢典合作的一曲《賽馬》，讓大家看后忍俊不禁，印象深刻。

摘要：社會實踐活動是高校音樂表演專業教學的重要組成部分，通過社會實踐活動的參與，既可以使學生得到全面鍛煉，實現教學目標，也能夠充分體現高校服務地方發展的責任。鑒于此，本文從高校音樂表演專業社會實踐的必要性談起，并就如何更好地開展提出了針對性建議。

關鍵詞：音樂表演專業;社會實踐;必要性;開展路徑

一、高校音樂表演專業社會實踐的必要性

（一）音樂表演專業建設的需要。音樂表演專業的教學目標，是培養具有全面音樂理論知識和熟練音樂表演技能的高層次音樂人才，這種“表演性”也是其區別于音樂學、音樂教育等專業的根本所在。而如何才能培養和鍛煉學生的實踐能力呢？一個有效且必不可少的方式就是各類實踐活動的開展，讓學生熟悉舞臺，熟悉音樂活動組織、開展的流程等，為他們的就業和個人發展打下良好的基礎。（二）學生就業和個人發展的需要。受到多種原因的影響，長期以來，高校音樂專業教學一直都存在著“重理論輕實踐”的傾向，多數學生都掌握了全面的音樂理論知識，但是沒有運用這些知識的意識，運用的機會也少之又少，很多學生一個學年內只有兩次登臺表演的機會，就是期中和期末兩次考試。所以很多學生在畢業后，在演出等相關活動中的表現，很難獲得用人單位的滿意和青睞。因此，參與社會實踐，全面提升實踐能力，正是學生就業和個人發展的需要。（三）高校社會服務職能的需要。高校除了教育和科研的職能外，還有社會服務職能，這也是當代社會發展對高校提出的新需要。特別是近年來，在相關部門的倡導和要求下，很多高校和院系都結合自身專業特點，就如何更好地服務地方發展進行了思考，也做出了一系列積極的探索，如搭建服務平臺、培育服務團隊、獲得服務效益等。這種服務并不是單向的，學校和大學生也在這個服務的過程中，體現了學校的價值和功能，鍛煉了學生的素質和能力，可謂是一個雙贏的結果。（四）地方社會發展的需要。改革開放以來，中國的綜合國力不斷增強，國際地位日益提高，成為了世界上具有重要影響力的大國。特別是近年來，又將文化的大繁榮、大發展作為了新時期重要的發展目標，音樂文化正是其中的重要組成部分。高校音樂表演專業師生在各類社會實踐活動的參與中，滿足了活動的用人需要，營造出了濃郁的音樂文化氛圍，成為了推動地方文化發展的主力軍。

二、高校音樂表演專業社會實踐的開展

（一）樹立正確認識。多個部門和各項活動的開展，都要以正確的認識為先導。具體來說，首先，作為高校和院系，應認識到社會實踐對學生培養、專業建設和學校方展的重要性和意義，明確為什么做、怎樣做等根本性問題。特別是自身所具有的服務社會發展的職能，在近年來得到了突出和強調，這對于整個高等教育來說既是一個挑戰，更是一次發展機遇。在此基礎上，在課程設置、實踐設施、師資建設等多個方面有所體現，真正做到樂于、善于參加社會實踐活動。其次，作為學生來說，一方面要從長遠角度考慮自己的就業和發展，結合市場需要來審視自身不足，對實踐能力欠缺這一現狀有清醒的認識；另一方面則要樹立起社會意識，每一個學生最終都是要走向社會的，也只有走向社會才能適應社會，實現個人與社會的和諧發展。因此要積極參與學校組織的各種社會實踐活動，讓個人價值得到社會的認可。再次，作為社會部門來說，應認識到專業人才對各類活動展開的重要性，并主動和周邊高校建立積極的合作關系，能夠有效緩解專業人才數量不足、人才水平有限的瓶頸，推動各項活動更好的開展。通過學校、學生和社會各部門在認識上的統一，才能從本質上保證各類實踐活動朝著預定的方向發展，獲得多方共贏的效果。（二）建立實踐體系。各種社會實踐活動的順利開展，需要以高校師生扎實全面的實踐能力為保障，而這恰恰是高校音樂表演專業教學的一個薄弱點所在，無論是學生還是教師，都在實踐意識和能力存有不足，因此需要在教學中構建起一個科學完善的實踐體系。具體來說，首先是課程體系構建。結合音樂表演專業特點和市場需要來看，可以將所有課程劃分為通識課程、專業課程和實踐課程三大模塊。與以往課程設置不同的是，實踐課程成為了一個獨立的分支，既包含表演、形體、舞臺等方面的校內課程，也包含演出、比賽等校外活動，使實踐得到明確和突出。其次是師資體系構建。多數音樂表演專業教師都是科班出身，在理論和技能上能夠充分滿足教學的需要，但是有一個問題在于，這種科班學習經歷使他們在求學期間，也沒有接受過系統化的實踐訓練，所以在實踐能力上同樣存在不足。對此需要得到廣大教師的充分重視，主動提升自身的實踐水平，如多參加公益演出、演唱或演奏大賽等，起到積極的榜樣和示范作用，而學校也應對教師的各種實踐活動予以大力支持，并積極建設校內外實踐基地，努力建設一直高水平的雙師型師資隊伍。再次是評價體系構建。社會實踐活動并不是一時的心血來潮，而是在活動質量、效益等方面有著較高的要求，因此實踐活動不能流于形式，而是要認真評價。在評價內容上，要結合學生參加社會實踐活動的次數、具體表現等，進行量化考核；在評價主體上，要打破教師是唯一評價者的局面，引入更多的評價者，如組織活動的社會部門、學生互評等；在評價方式上，除了量化制以外，還應該增強教師和學生之間的交流與互動，如記錄表現、分享心得等。通過實踐體系的構建，使學生的實踐意識和能力都得到本質上的提升，由此才能在各類社會實踐活動中長袖善舞，游刃有余。（三）加強政策保障。高校音樂表演專業社會實踐活動的開展，絕不是單方行為，而是需要得到全社會的大力支持，特別是政府部門，更應該充分發揮主導者的作用。要制定以省市政府、文化廳等行政部門為主要保障者的支持政策，各部門應起到積極的組織、協調、引導、服務等職能，各項活動的開展都應該在政府部門的宏觀協調下進行。因此在相關政策的制定中，要對高校服務地方的方法和舉措予以大力的支持，善于利用高校音樂文化資源帶動地方音樂文化發展，并積極提供各種有利條件，加強服務的評估與督導，提高服務的效益和水平。條件成熟時，還可以鼓勵高校參加社會文化活動的競標，真正融入到市場中。如早在2007年，東北師范大學就通過競標的方式，在諸多競爭者中脫穎而出，獲得了開幕式的承辦權，學校調動全校的力量，站在為高校、城市和國家爭光的高度，圓滿完成了演出任務。整個城市的多個部門，在市政府的協調下，對學校予以了多方面的積極幫助，開辦了由高校承辦洲際賽事開幕式的先河。所以社會實踐活動的開展，高校既不是唯一的實施者，也不是唯一的受益者，而是一個全社會共同參與和努力的結果，特別是政府，更要發揮出主導作用，制定出全面的支持和保障政策，作為各項活動開展最堅實的基礎。（四）探索多種形式。音樂實踐活動是一片大有可為的新天地，每一個音樂表演專業的學生都有機會大顯身手，需要學校、活動組織部門等建立起良好的合作機制，積極探索出多樣化的活動形式。如建立校外實訓基地，學校可以和一些文藝團體等簽訂協議，定期安排學生進行進行實習，“只有讓學生走進企業，了解社會及人們的需求，為學生提供更多的專業實踐機會，才能加深學生對課堂所學知識的理解，提升其理論及實踐相結合運用的能力。”又如開展公益演出活動，1996年，等十四個部委聯合開展了“三下鄉”活動，已經成為了高校社會實踐的常規性活動，獲得了多方面的積極效益，音樂表演專業正是其中的主力軍。而在下一步的工作中，則要實現從鄉村到城市的擴展，如城市社區。近年來，城市社區音樂活動的開展可謂是如火如荼，由此也產生了大量的人才需要，音樂表演專業的學生正是最佳人選。可以與社區管理部門聯合，進行聲樂、器樂、理論教學等，也可以定期舉辦音樂演出。如沈陽音樂學院就與周邊社區聯合成立了音樂培訓機構，所獲得的收益一方面作為學生的薪酬，一方面用于各項活動的支出，滿足了多方面需要。再如專題活動，很多城市都結合自身特點，積極舉辦各類文化活動、打造專場演出等，如近年來流行的山水實景音樂演出，需要大量具有音樂、舞蹈相關知識的專業人才，主辦方也與地方高校簽訂了用人協議。可以看出，具體的社會實踐形式是多種多樣的，需要結合實際情況進行靈活選擇。

摘要:音樂離不開表演，音樂表演是在音樂創作基礎上的再創造活動。本文根據音樂表演再創造的不同層面，如音樂表演的再創造本質、音樂表演中的理解與表現、音樂表演的再創造表演規律與美學原則、音樂表演的再創造價值與意義等，選取當代音樂表演再創造的相關重要文獻進行分析闡釋，以期對當代音樂表演的再創造研究進行梳理，探尋其研究的側重點，并由此提出自己的思考與見解。

關鍵詞:音樂表演研究；再創造；二度創造；理解；美學原則

一、音樂表演的再創造本質

音樂表演是在音樂創作基礎上的再創造活動，一般而言，音樂創作（“一度創作”）是創作的第一個過程，音樂表演是第二個創作過程，被稱為“再創造”或“二度創作”。那么，音樂表演的本質在于二度創作嗎？縱觀國內學者的研究，我們從中可以找到一些線索。羅小平在《音樂表演再創造的美學原則》一文提出，二度創作賦予了一度創作生命，并且將作曲家與聽眾連接。這里的“一度創作”實則就指作曲家的創作，而“二度創作”，即為音樂表演。同時作者認為音樂表演藝術是一種創新的創造，是人類精神世界的創新，它不僅受到一度創作的影響和制約，同時具有較大的再創造可能性，必須充分發揮這種可能性，才能展現和提高作品潛在的審美價值。①張前《論音樂表演創造的美學原則》中也指出，音樂表演在一度創作的基礎上進行，要對音樂作品進行正確地傳達和再現。音樂表演是賦予音樂作品以活的生命的創作行為，甚至能對原作加以補充，從而為聽眾提供審美享受。②又如楊古俠的《音樂表演的審美內涵與啟示》認為音樂表演是針對作品的再創造，這種再創造是音樂作品精神和生命力的繼承。③以上作者的觀點都將音樂表演看作“二度創造”或“再創造”，似乎并沒有對其本質進行分析。而吳慧娟在《音樂表演的本質在于“二度創造”嗎？》中認為“再創造”和“二度創造”兩者的本質并不能對等，并且指出“即席演奏”這種表演形式中，所謂的“一度”和“二度”創作實際是疊一的，并無加以區分的必要。④如上所述，音樂表演雖屬于“呈現”，但其過程也尤為重要。筆者并不認同《音樂表演的本質在于“二度創造”嗎？》一文中對“二度創造”在音樂表演中的使用的否定。筆者認同，“即使是即興表演，也是構思在前，表演再后”。⑤對音樂表演者來說，“二度創造（作）”具體的定義還要取決于他針對的具體對象是什么，同時“二度”一詞在音樂表演的應用范圍上也應有廣義與狹義之分。

二、音樂表演中的理解與表現

音樂作為聲音的藝術，它需要表演者的演繹，這離不開表演者對音樂“文本”的理解與把握。同時，還需平衡表演過程中大腦意識活動中的相關生理、心理問題。首先，同一部作品在從書寫到出版的過程中會經歷很多變數，甚至會出現多種不同的版本，版本的正確選擇直接會影響到音樂表演。因此，如果要讓音樂表演忠實于原作，要盡可能找到切實可靠的原版樂譜，其次對作品的理解也離不開對樂譜的分析。楊易禾的《音樂表演藝術中的文本與型號》⑥一文從美學的不同派別對音樂的“文本“與表演者之間的關系加以分析，指出，盡管不同演奏家對音樂的解讀和演繹不同，卻能發現他們的演奏中的同一性，同時體現出了作品的本質屬性。楊易禾還建議音樂表演中要始終圍繞作品的“同一性”內核，以此為前提解讀作品，從而將這種體驗轉化為音響。⑦楊燕迪《音樂理解的途徑：論“立意”及其實現》一文，在對“音樂理解”的理論界定中指出音樂理解作為實踐活動中的一種審美能力，它不僅具有個體差異，并且是音樂表演藝術具有品格的關鍵。⑧此外，也有通過西方哲學層面的“詮釋學”來理解音樂作品的，例如宋莉莉《詮釋學與音樂文本的理解》⑨、忻雅芳《解釋學與音樂作品的理解》⑩等文獻指出從音樂本身的理解出發，重要的不是音樂文本，而是音樂文本背后的問題，其中需要注意對作品的理解，應既具有歷史性又具有當代性。所以對音樂文本的詮釋不能忘記自身，也不可忽視歷史局限性，表演者需要在音樂作品、理解過程和解釋者的相互關系中產生審美體驗。其次，表演者要通過對音樂的理解加入自己的想象，對音樂有所感受。閻林紅《關于音樂感知能力的研究》一文從心理學角度出發，對人體音樂感覺和音樂知覺能力做出分析，并提出音樂知覺是在音樂感覺的基礎上形成的，具備音樂感知能力是人們從事音樂活動的基礎，這同樣適用于音樂表演者。瑏瑡馮效剛《論音樂表演“意象”》一文，提出音樂意象既是音樂想象的產物，也是表演者再創造的內心體驗過程，要以多種方式感受、體驗作曲家所表達的音樂內涵，通過聯想和感知在理解作品的同時融入自身的審美體驗，最終以創造性的想象來完成音樂表演。瑏瑢表演者需要投入感情，還需平衡其大腦意識活動中的一些生理與心理問題。例如張前《音樂表演心理的若干問題》瑏瑣、趙嫻《談音樂表演中的直覺和臨場心理》瑏瑤和王放歌《論心理機制是音樂表演作為音樂再創造的重要因素》瑏瑥等。這些文章分別從心理學和美學的角度出發，對與音樂表演創造關系密切的幾個心理學問題進行了論述，其中包括：音樂表演中的投情、想象、直覺和臨場心理。可見，表演者對自身心理變化有清晰的認識和預判是有利于其表演的。總體來看，音樂表演從理解到表演要經過再創造的過程。所以表演者對音樂表演的理解，不要局限于基本的技術與“文本”，還必須把音樂的想象與情感等心理要素結合起來，以達到更好的詮釋與表現。

內容摘要：隨著社會的飛速發展，當今時代急需培養適應社會全面發展的有用人才，這就給教育工作者提出了更高的要求，既要繼承優良傳統，又要與時俱進。因此，探索音樂表演的多元化教學，顯得尤為重要。只有這樣，才能更有效地提高教學質量，密切聯系實際，滿足社會的發展需求，為社會培養全面發展的合格人才。文章對如何采用多元化教學以及采用多元化教學所產生的實際效果進行了分析和論述。

關鍵詞：音樂表演多元化教學

音樂表演的種類有很多，其中包括聲樂、器樂、舞蹈、鋼琴等專業的人才培養。多元化教學是指多種渠道、多種形式的教學，在音樂表演中，如舞臺演出、教學實踐、舉辦音樂會、參加錄音錄像，包括欣賞、觀看錄音錄像等，都屬于多元化教學范疇。當然舞臺的演出形式是多種多樣的，僅以器樂演奏形式為例，就有很多種，如獨奏、重奏、合奏、伴奏等，這些都屬于多元化教學中的一部分，都可以稱之為多元化教學。實踐證明，在音樂表演專業的教學過程中，在以傳統教學為主的基礎上與時俱進，對學生有計劃地、彈性地采用多元化教學，具有良好的效果。這一教學方式受到學生的普遍認可和歡迎，學生普遍感到受益匪淺。筆者認為科學地采用多元化教學，在科技飛速發展的今天，具有深遠的現實意義。

一、多元化教學的幾種形式

1.舞臺演出

這是音樂表演最主要的表現形式之一，是最終要達到的目的。舞臺的演出形式繁多，這里重點例舉器樂演奏的舞臺形式。器樂演奏的舞臺形式包括獨奏、重奏、合奏、伴奏。